Энтузиасты наивного искусства. Идем на выставку «Русский наив из собрания К.Г. Богемской и А.В. Турчина»
В отделе «Музей русского лубка и наивного искусства» Галереи Ильи Глазунова (Малый Головин переулок, дом 10, строение 1) открыта выставка «Русский наив из собрания К.Г. Богемской и А.В. Турчина». Начало этой коллекции положила Ксения Богемская, известный искусствовед и художественный критик, дело продолжил ее сын Алексей Турчин. В этой экспозиции представлены работы признанных звезд наивного искусства. О героях и их художественной манере mos.ru рассказал куратор выставки Мария Артамонова.
Коллекция Ксении Богемской и Алексея Турчина
Говоря о собрании Ксении Богемской и Алексея Турчина, стоит упомянуть и выставку «Остров Тарабаров», которая сейчас проходит в здании музея на Союзном проспекте. Дело в том, что изначально большая коллекция наивного искусства пополнялась силами Ксении Богемской и известного галериста Сергея Тарабарова. В 1990-е, когда в России появилась возможность работать в формате галереи, они воплотили свою мечту и создали галерею «Дар» — первую в стране, где выставлялись художники-наивы. «Дар» просуществовал до 2002 года и закрылся по техническим причинам — изменились права на аренду здания.
Потом пути коллекционеров разошлись. Большое собрание разделилось, у каждой из частей была своя судьба, и пополнялись они по-разному, но базис был один.
«Ксения Георгиевна немало проработала в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина с импрессионистами и постимпрессионистами, ее героями были Ван Гог и Гоген. А ведь и на Западе, и в России первооткрывателями наива были художники-авангардисты в широком смысле — те, кто искал новый художественный язык. Также Ксения Богемская работала в Государственном институте искусствознания в секторе фольклора и народного искусства — собственно, занималась наивом, писала о нем научные работы. И большую часть того, что мы сейчас знаем о русском наивном искусстве, мы знаем благодаря ей. Она была энтузиастом и не замыкалась на российской действительности, а встраивала отечественный наив в мировой контекст: трудилась в галерее, собирала коллекцию, много путешествовала. Во многом благодаря ей работы художников-наивов были представлены на международных биеннале — так о русском наиве узнали на Западе», — рассказывает Мария Артамонова.
Идея этой выставки — показать избранное, представить признанных мастеров, звезд русского наивного искусства и работы, хорошо отражающие их стиль. Кроме того, она перекликается с постоянной экспозицией музея и в некоторой степени открывает новые грани творчества известных художников.
Павел Леонов и Михаил Ржанников
Павел Леонов, пожалуй, самый известный мастер из представленных на выставке, человек непростой судьбы. Он родился в 1920 году, детство его пришлось на очень нелегкие годы. Потом было военное училище, работа в шахте, много переездов внутри СССР. Писать картины Павел Леонов начал в середине 1950-х, работая штукатуром на Камчатке. По словам Марии Артамоновой, этот художник опровергает самые распространенные стереотипы о наивном искусстве.
«Главный миф: все художники-наивы — бессребреники, что им не нужно ничего, кроме собственного искусства. Павел Леонов был совершенно не такой — он хотел свои картины продавать и зарабатывать этим на жизнь. Когда он понял, что в силу определенных причин это пока не получается, на какое-то время перестал писать. Второй миф о наивном искусстве: его представители нигде не учатся. Учатся. Многие известные сегодня художники прошли через Заочный народный университет искусства, знаменитый ЗНУИ. Он появился в начале ХХ века и существует до сих пор. Период расцвета пришелся на 1960-1970-е, когда в числе преподавателей была целая плеяда нонконформистов: Михаил Рогинский, Борис Турецкий и другие. Тогда перед ними стояла задача не ломать и не переучивать художников, а помогать им раскрыться», — говорит куратор выставки.
В ЗНУИ получал образование и Павел Леонов. Его учил Михаил Рогинский, которому нравилось работать с самоучками, приглашал в Москву и водил в Третьяковскую галерею. Там Леонова привлекали картины, народные сюжеты которых могли бы разворачиваться на его глазах. А Михаил Рогинский в своих воспоминаниях писал, что еще неизвестно, кто кого учил: он Леонова или Леонов его.
Павел Петрович был человек Советского Союза и на своих картинах изображал светлое будущее СССР. Узнаваемая стилистика, узнаваемые герои, переходящие из картины в картину, — можно сказать, что это большой мир Павла Леонова, который он создал для себя. Отличительная деталь его произведений — помимо самого изображения, на них всегда есть живописные обрамления: например, кусты по бокам и птицы сверху.
Интересно художник подходил и к выбору материала. В село Меховицы, где он в какой-то момент осел, приезжали коллекционеры, привозили холсты, краски и многое другое, необходимое для работы. Иногда холст привозили с конкретной просьбой нарисовать на нем что-нибудь, но когда коллекционеры возвращались за готовой работой, то нередко обнаруживали, что выполнена она не на их холсте, а на какой-нибудь мешковине. У Павла Петровича был свой взгляд относительно того, как сделать лучше. Например, для портрета Ксении Богемской, который встречает посетителей, он выбрал именно очень грубую мешковину, которая, однако, стала хорошим фактурным фоном.
Михаил Ржанников родился в 1930 году на Урале близ реки Чусовой, в крестьянской семье, а после жил в Липецке (туда он попал по распределению после учебы в техникуме и работал на трубном заводе). В его произведениях магистральной линией присутствуют воспоминания детства, сельские мотивы, уральская природа. Собственно, по большей части художники-наивы пишут личное: то, что им дорого, что они любят, что они прожили сами, — ностальгические переживания в самом широком смысле слова. В творчестве Михаила Ржанникова особо выделяются три основных жанра: зарисовки сельской жизни, натюрморты и портреты. И работы в первых двух можно рассмотреть на выставке.
«Его изобильные натюрморты — своего рода праздник жизни, где художник изображает, например, разные фрукты и овощи, созревающие в разное время года, но его это совершенно не смущает. Обратите внимание, как малый натюрморт с букетом “переезжает” на большую картину “Торжество ветерана”. Один раз отработав изображение, Михаил Ржанников решил тиражировать его», — поясняет Мария Артамонова.
Владимир Мизинов и Василий Григорьев
Владимир Мизинов родился в Нижнем Новгороде (тогда — Горький) и прожил там всю жизнь, трудился на заводе «Красный Сормовец». Во время работы он получил производственную травму — сильно повредил руку — и больше не смог вернуться к профессии. Это стало переломным моментом в его жизни. Кроме того, он был человек очень спортивный, можно сказать, культуристического склада, и вынужденное бездействие давалось ему тяжело. К живописи Владимир Мизинов обратился в 1988 году уже в довольно зрелом возрасте, причем до этого никогда ею не интересовался. Но начав рисовать, нашел в этом отдушину и уже не смог остановиться — для работы использовал все доступные подручные материалы, включая задники театральных афиш и самодельные подрамники.
«На этой выставке у Владимира Мизинова представлено два натюрморта, которые мы нашли в коллекции Алексея Турчина, в пандан натюрмортам Михаила Ржанникова. По этим работам видно Мизинова-колориста — он пытается экспериментировать с цветами, сочетать их в любопытных вариациях. И мы еще раз хотели показать, что натюрморт — один из важных жанров для художников наива», — отмечает Мария Артамонова.
Василий Григорьев, напротив, любил рисовать с детства — когда он был маленьким, ему нравилось копировать открытки. А первую свою картину художник продал в 1928-м, ему было всего 14 лет. В том же году он переехал из родного Киржача в Москву. Важный и продолжительный период его творчества — создание принтов для ковриков-клеенок. Они появились в начале XX века, но бум популярности пришелся на годы после Второй мировой войны (солдаты, возвращаясь из Германии, привозили их в качестве трофеев). Подобные коврики можно увидеть в фильме Леонида Гайдая «Операция “Ы” и другие приключения Шурика» — ими бойко торгует герой Георгия Вицина.
Свои работы Василий Григорьев тоже продавал на Арбате, Сухаревке — везде, где был торг. В «клееночные» изображения он привносил некое самобытное видение, демонстрировал собственный почерк — писал не только на популярные у потребителей темы. Хотя, конечно, и церквушки, и бытовые зарисовки, и пейзажи с лебедями, и даже знаменитые русалки у него тоже были. Отсюда также повторяемость сюжетов — например, сцену чаепития (такую картину можно увидеть на выставке) он изображал не раз, меняя некоторые детали. В какой-то момент его заметили коллекционеры и стали покупать его работы, а кто-то просил написать что-то на заказ.
Александр Белых, Василий Романенков и Нина Варфоломеева
По словам Марии Артамоновой, многие воспринимают наив как некий единый стиль, но это неверная трактовка. Стиль у каждого представителя наивного искусства свой, своя характерная манера. Допустим, Александр Белых, в отличие от многих мастеров, практически не интересовался бытовой жизнью — для него более характерны романтика и экспрессия. И сам он был человек темпераментный, ищущий сильных эмоций и предельно острых ситуаций. Художнику, например, никогда не нравилось жить в городе, и он немало путешествовал: в частности, участвовал в геологических экспедициях. Это его очень привлекало.
На выставке можно увидеть анималистику Александра Белых, а также картину на исторический сюжет: Екатерина II изображена на ней в окружении придворных. Кроме того, гости постоянной экспозиции Музея русского лубка и наивного искусства могут оценить его масштабный триптих на тему кавказской легенды.
Что касается Василия Романенкова, то он, как и некоторые наивы, прошел школу ЗНУИ, и это во многом изменило его стиль и подход. На выставке представлены работы именно этого периода — графика, выполненная простым карандашом и ручкой. И она тоже выбивается из представления о наиве как о чем-то легком, веселом и праздничном. А в более поздние годы художник увлекся эзотерикой и рисовал даже карты Таро.
«Василий Романенков — уроженец смоленской деревни, и его на первый взгляд современные графические экзерсисы, не связанные с народным и первозданным, — все равно про деревню. Это деревенская элегия. Фигуры, похожие на идолов и истуканов, которые складываются в геометрически выверенные, простроенные композиции, тоже отсылают к деревне. Человечки переходят из картины в картину, они очень узнаваемы. Ксения Богемская писала, что начинал рисовать он всегда с ног — методично, процарапывая каждую деталь. Узоры очень разнообразны и целиком нигде не повторяются. У Василия Романенкова есть также сцены свадеб и набор сюжетов, повторяющий деревенский фольклорный календарь», — поясняет Мария Артамонова.
Завершить просмотр экспозиции куратор предлагает акварелями Нины Варфоломеевой — именно такие работы обычно приходят на ум, когда заходит речь о классическом наивном искусстве. Об определенной типичности говорит даже биография художницы. Нина Ивановна родилась в большой крестьянской семье в Сибири, в 12 лет начала трудиться в колхозе, потом долгое время работала маляром. Рисовать начала после выхода на пенсию, когда появилось свободное время. Большинство работ Нины Варфоломеевой посвящено воспоминаниям о детстве и юности, которые пришлись на 1920-1930-е годы, а потому ее иногда называют бытописательницей — благодаря выдающейся зрительной памяти она великолепно восстанавливала многие детали прошлого.
Чтобы подробнее познакомиться с наивным искусством, Мария Артамонова рекомендует также отправиться в музей-заповедник «Царицыно» — там продолжается выставка «В поисках народного искусства». Это размышление о том, как народное искусство существовало и что с ним происходило в XX веке. Куратор выставки встраивает наив в народное творчество, тогда как многие исследователи, в том числе Ксения Богемская, относили его к искусству современному. Кроме того, до 22 октября можно успеть на выставку «И была жизнь» во Всероссийском музее декоративно-прикладного искусства. На ней представлены работы художника Ивана Селиванова.
В поисках народного искусства. Изучаем новую выставку в музее-заповеднике «Царицыно»
Выставку «Русский наив из собрания К.Г. Богемской и А.В. Турчина» можно осмотреть до 28 декабря.
