От Гайдна до Kraftwerk: музыканты-новаторы, опередившие свое время

Сегодня, 1 октября, во всем мире отмечается Международный день музыки. Впервые праздник отметили в 1975 году по инициативе Международного музыкального совета (IMC) при ЮНЕСКО. Одним из инициаторов учреждения Международного дня музыки стал известный пианист и композитор Дмитрий Шостакович. «Универсальный язык человечества» – так называл ее американский поэт Генри Лонгфелло, а Ницше говорил, что «без нее жизнь была бы ошибкой». Музыка существует на планете столько же, сколько и люди. Прототипы первых музыкальных инструментов из камня, кости и дерева, появились еще в эпоху палеолита, о чем наглядно свидетельствуют наскальные рисунки, сохранившиеся с того времени. Вместе с людьми музыка также развивалась и совершенствовалась, каждую историческую эпоху ярко характеризует то или иное музыкальное направление. Творчество музыкантов и композиторов испокон веков служило источником вдохновения для писателей, художников и других «слуг музы»; под звуки марша войска отправлялись в бой и возвращались домой с победой; под музыку люди приветствовали нового короля, сочетались браком и умирали. Музыкальные новинки всегда становились предметом горячих обсуждений в обществе, а певцы, инструменталисты и композиторы всегда вращались среди элиты. Конечно, далеко не всегда новая музыка сразу находила отклик в сердцах слушателей. Немало талантливых композиторов, чьи имена сегодня знает наизусть каждый школьник, в свое время оказались невостребованными. Современники не поняли и не приняли их творения, и лишь потомки смогли оценить их по достоинству и объявили гениальными. Кому-то повезло чуть больше, и их неординарное звучание пришлось аудитории по вкусу, ознаменовав собой появление нового жанра. Новаторы, опередившие свое время и подарившие нам музыкальные шедевры – тема нашей сегодняшней статьи. Йозеф Гайдн Говоря о новаторах в музыке, нельзя обойти вниманием представителей венской классической школы. Одна из самых весомых и значимых фигур в музыке эпохи классицизма – Франц Йозеф Гайдн. История запомнила его как новатора и изобретателя необычных форм. Гайдн был основоположником таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет, его даже прозвали «отцом симфонии». Также Гайдн оказал значительное влияние на такой жанр, как сонаты для клавира. В своем творчестве Гайдн одним из первых перешел от полифонической фактуры к гомофонно-гармонической. При этом в крупные инструментальные произведения он зачастую включал полифонические эпизоды, придававшие музыке динамику. Широко известны оратории Гайдна, относящиеся к позднему периоду его творчества: «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). В них прослеживаются новая для этого жанра сочная бытовая характерность, красочные воплощения явлений природы – здесь композитор раскрыл свое мастерство колориста. О том, что музыка Гайдна опередила свое время, говорит и тот факт, что одна из созданных им мелодий впоследствии легла в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии. Вольфганг Амадей Моцарт Еще один не менее известный представитель венской школы и близкий друг Гайдна, о котором также непременно следует упомянуть. Моцарт сыграл огромную роль в истории музыки, и с этим вряд ли кто-то поспорит. То, что этот композитор станет новатором для своего времени, стало ясно уже после выхода его первой оперы «Похищение из сераля»: артисты впервые запели не на итальянском (традиционный язык оперных либретто), а на немецком языке. Моцарт долго вынашивал идею создать немецкую национальную оперу – зингшпиль. И ему это удалось: в день премьеры в зале не было свободных мест, и после каждой арии звучали несмолкаемые аплодисменты. С Гайдном Моцарт познакомился в 1783 году, впоследствии их связывали теплые дружеские отношения. Моцарт даже посвятил Гайдну сборник из 6 квартетов. Для того времени они казались слишком смелыми и новаторскими, из-за чего вызвали недоумение ряда критиков. Но Гайдн сумел оценить гениальность этих произведений и принял подарок с величайшим почтением. Под влиянием Моцарта изменился и такой жанр, как серенада: композитор сумел придать ей более сложную форму, сблизив с жанром симфонии. Новаторство Моцарт проявил и в сиютах: он вносил в них разнообразие, разбавляя праздничные, жизнерадостные картины драматическими штрихами. Секрет притягательности и бессмертия творений Моцарта очень емко описал композитор Дмитрий Шостакович: «Моцарт – это молодость музыки, это вечно юный родник, несущий человечеству радость весеннего обновления и душевной гармонии. Бездонная глубина его человечнейших образов, поразительная смелость его новаторских открытий, двинувших на десятилетия вперед музыкальное искусство, совершенная гармоничность и стройность формы – вот сила Моцарта, вот величие его искусства, неувядаемого в веках». Александр Скрябин В 1908-1909 годах в музыке начинает активно развиваться такое течение, как авангард. Он произвел настоящую революцию, положив начало радикально новой музыкальной мысли. Это было своего рода освобождение звука из плена традиции. Этот процесс очень точно охарактеризовал художник Николай Кульбин: «Музыка природы: свет, гром, шум ветра, плеск воды, пение птиц – свободна в выборе звуков. Художник свободной музыки, как и соловей, не ограничен тонами и полутонами. Он пользуется и четвертями тонов, и осьмыми, и музыкой со свободным выбором звуков». Одним из первых выходит за рамки традиционной тональности вышел русский композитор, яркий представитель музыкального символизма Александр Скрябин. Если раньше для композитора считалось непозволительным нарушать правила классической гармонии, то Скрябин решился ими пренебречь. В его знаменитой симфонической поэме «Прометей» центральным элементом является шестизвучный аккорд, из которого рождается и мелодика, и гармоническое развитие. Кроме того, Скрябин был первым композитором, который использовал светомузыку. По его задумке, музыку в поэме «Прометей» стоит рассматривать в единстве с цветовым спектром. С этой целью он включил в партитуру партию световой клавиатуры. Это была одна из первых попыток воплощения синтеза искусств в таком жанре, как инструментальная музыка. Original Dixieland Jazz Band Джаз был, пожалуй, ярчайшим музыкальным открытием начала XX века. Необычная зажигательная музыка, пришедшая из глубин африканского континента, покорила сперва Америку, а вслед за ней и весь мир. Сложно сказать, кто был первым джазовым музыкантом, а вот первую пластинку, записанную в этом жанре, мы можем назвать совершенно точно: это граммофонный сингл 1917 года «Livery Stable Blues». Автором этой легендарной пластинки стал американский белый джазовый оркестр Original Dixieland Jazz Band. Именно эти ребята были первым джаз-бэндом, который стал записываться и выпускать свою музыку на носителях. Надо ли говорить, как много эти музыканты сделали для популяризации джаза! «Livery Stable Blues» стал настоящим хитом и, можно сказать, положил начало эпохе джаза. В последующие годы ансамбль записал немало других талантливых вещей, которые ныне признаны джазовыми стандартами: «Tiger Rag», «At the Jazz Band Ball», «Fidgety Feet», «Sensation», «Clarinet Marmalade», «Margie», «Jazz Me Blues» и «Royal Garden Blues» и др. Джими Хендрикс Он по праву считается одним из самых смелых и изобретательных музыкантов в истории рок-музыки. В 2009 году журнал «Time» назвал Джими Хендрикса величайшим гитаристом всех времен. И он действительно был виртуозом: еще при жизни Хендрикса называли гением. Он значительно расширил диапазон и возможности электрогитары и буквально изменил лицо рок-музыки. Интересный факт: Джими родился левшой, но отец пытался заставить его играть правой рукой, считая, что леворукость исходит от дьявола. Поэтому в присутствии отца Джими играл правой рукой, а когда торт уходил, он переворачивал гитару. В результате юный Хендрикс сумел освоить сложную технику «upside-down»: он играл как левша, но на гитаре, настроенной под правшу. Повзрослев, Хендрикс настроил гитару под левую руку. Первым синглом его группы The Jimi Hendrix Experience стала кавер-версия песни «Hey Joe» Билли Робертса, которая в то время считалось стандартом рок-музыки. Хендрикс адаптировал композицию под свой психоделический стиль, и это понравилось публике. Еще больший успех пришел к музыканту после выхода композиции «Purple Haze», записанной с сильно искаженным тяжелым гитарным звуком. Окончательно сформировавшийся стиль Хендрикса можно услышать на втором альбоме коллектива «Axis: Bold as Love», записанного в романтично-психоделическом жанре. Песня «Bold As Love» , вошедшая в этот альбом, навсегда осталась в истории как пример виртуозного гитарного соло. Queen Эта легендарная четверка – несомненные новаторы как в звучании, так и в производстве музыкальных видео. впервые Именно Queen первыми применили оригинальные спецэффекты и испытали новые приемы монтажа. Да и самый первый клип в истории сняли именно для этой группы. Случилось это так: однажды музыканты не успели на запись телепрограммы, где планировали снимать по одному выступлению избранных коллективов. Режиссер программы Брюс Говерс согласился сделать для музыкантов небольшой видеоролик. Он и стал первым в мире музыкальным клипом. И все же лучшим клипом группы был признан клип на легендарную композицию «Bohemian Rhapsody», которая стала визитной карточкой Queen. В этой песне Меркьюри, не боявшийся экспериментов, решил смешать несколько разных стилей и жанров: хард-рок, поп, оперу и балладу. У этого произведения очень необычная музыкальная структура: «рапсодию» можно разбить на шесть разных по стилю частей, которые не делятся на куплеты и припевы. Более того, в отличие от привычных трех-четырех минут, в которые обычно укладывается стандартная композиция, эта песня длится целых шесть минут. Вопреки прогнозам продюсеров, широкая публика высоко оценила новое творение Queen/ «Богемная рапсодия» вошла в альбом «A Night at the Opera» (1975), а также была издана на сингле вместе с песней «I’m in Love with My Car» на стороне «Б». Также на нее был снят клип, который произвел революцию в мире музыкальных видео. В 1981 году песня вошла в сборник Greatest Hits как композиция, открывающая альбом. Через четверть века британцы назвали «Богемную рапсодию» песней тысячелетия. Black Sabbath Если Хендрикс и Queen были новаторами в роке, то британцы Black Sabbath во главе с эпатажным Оззи Осборном подарили миру совершенно новый брутальный жанр – хеви-метал. Дебютный альбом коллектива (он также называется «Black Sabbath») считается одним из первых альбомов в этом жанре. Своей мрачной, зловещей музыкой Black Sabbath буквально похоронили эру хиппи под тяжелыми массивами гитарных риффов и сотрясающими землю бластбитами. Это была новая, пугающая, ни на что не похожая музыка, навевающая ассоциации с фильмами ужасов. А образ фронтмена, откусывающего на концертах головы голубям, навсегда останется неповторимой визитной карточкой Оззи Осборна. В поисках собственного уникального звучания ​​​Black Sabbath опирались на утяжеленный блюз-рок конца 1960-х. Они вдохновлялись такими группами, как Cream, Blue Cheer, Vanilla Fudge. При этом музыканты значительно переработали их стиль: снизили темп, сгустили звучание бас-гитары и построили композиции на пересечении тяжелых риффов. Что же касается текстов, то и здесь музыканты «ушли во мрак»: группа отказалась от любовной лирики и характерных для блюз-рока штампов, отдав предпочтение тяжелым, депрессивным образам и мотивам. Творчество коллектива оказало ключевое влияние на формирование таких музыкальных стилей, как стоунер-рок, дум-метал и сладж-метал. На сайте Зала славы рок-н-ролла о музыкантах сказано так: «Удивительно, но Black Sabbath выпустили четыре определяющих музыкальные жанры альбома за двухлетний период, при этом, гастролируя в непрерывном ритме» Kraftwerk Электронная музыка как самостоятельное направление появилась на рубеже 1960-1970-х годов. У ее истоков стояли такие исполнители и группы, как Can, Popol Vuh, Клаус Шульце, Tangerine Dream, Organisation, Cluster и Neu!. Но особое внимание хочется обратить на группу Kraftwerk. Этот немецкий квартет из Дюссельдорфа оказал огромное влияние на развитие электронной музыки. Переломным моментов в творчестве Kraftwerk считается альбом «Autobahn», записанный в 1974 году. В нем музыканты в полной мере продемонстрировали возможности синтезаторов и электроники того времени. Примечательно, что композиция «Autobahn», давшая название альбому, длится более 22 минут: она занимала целую сторону виниловой пластинки! Начиная с 1974 года в музыке Kraftwerk более четко выделились электронные ритм-структуры. Последующие три альбома – «Radio-Activity» (1975), «Trans-Europe Express» (1977) и «The Man Machine» (1978) – существенно повлияли на развитие электронной музыки и современной музыки в целом. Черпая вдохновение из спейс-рока и психоделического рока, эти музыканты создавали настоящие экспериментальные звуковые коллажи. Основная идея этой новой музыки заключалась в использовании электроники как нового выразительного средства, способного вызывать в воображении сюрреалистические образы.